Martes, 14 Octubre 2014 17:02

Maurice Sánchez (Santo Domingo, 1972)

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Es artista visual y fotógrafo. Ha formado parte de los colectivos artísticos Shampoo y Biscuit, con los que ha participado en exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, República Dominicana; Trienal Poligráfica de San Juan, Puerto Rico; Museo de Bellas Artes de la Habana, Cuba; Brooklyn Museum de Nueva York, Estados Unidos, entre otras. Ha organizado las exposiciones Arte Urbano Sarmiento y Típicográfico junto a Modafoca, y Gráfica Independiente Dominicana, junto a Rossy Ramos y Ángel Rosario. Actualmente es director creativo general de la agencia Capital DBG.

“Como artista exploro y trabajo varios medios, desde piezas gráficas, fotografía e instalación. Soy diseñador de productos, diseñador gráfico, fotógrafo y publicista. Me apasionan los temas de identidad, lo ‘dominicano’, sabiendo que ambas cosas no son estáticas ni absolutas. Parto siempre de la observación y la curiosidad, voy a lo documental, a recolectar datos y generar información. Me gusta conocer nuestras costumbres, símbolos, técnicas, materiales y representaciones porque siento que ahí estamos, en lo que se ve, todas estas cosas son mi lenguaje. Me gustaría pensar que mi trabajo habla desde un punto de vista lúdico, con juego y con humor, porque siento que así somos y que así nos entendemos mejor. Busco más que encontrar respuestas generar nuevas preguntas a través de la celebración de lo ‘nuestro’, lo de antes, lo de hoy, lo de mañana y como se relacionan estos tres planos”.

Bosque tallado. 2014
Madera
500 x 550 cm

La Caoba, hoy el Árbol Nacional de la República Dominicana, ha sido usada para diversas prácticas utilitarias desde tiempos prehispánicos. Con Bosque tallado evalúo la accidentada historia del “mueble criollo” o vernáculo y la situación actual de nuestros bosques. Esta es una conversación que inicia con el duho taíno y la llegada de Colón, continúa con el comercio de madera con Europa y nuestros años de abandono, desconexión y desfase. Apunta a la era republicana y sus promesas, la era de Trujillo-Balaguer y ahora la llegada Ilumel e Ikea. Una canción de despedida para nuestros recursos naturales y para el mueble criollo, un adiós para la víctima y el verdugo. M.S.

Martes, 14 Octubre 2014 16:57

Freddy Pérez (Prandy) (Duvergé, 1952)

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Estudió Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Santo Domingo; Técnicas Fotográficas en el Instituto de Estudios Superiores de Santo Domingo, ambos en República Dominicana, y Restauración de Obras de Arte en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Madrid, España. Es fotógrafo e inventor, fue reconocido por la Comunidad de Manhattan para las Artes y el Departamento de Asuntos Culturales de la ciudad de Nueva York (1994). Merecedor del primer premio en la categoría Ideas-Varias de la II Feria Nacional de Ideas e Inventos de Santo Domingo en 2000 y de la medalla de bronce en la Feria Internacional Ideas e Inventos y Nuevos Productos de Nuremberg, Alemania en 2001. 

“Mi formación artística y cultural me ha permitido orientar el sentido de la creatividad y la innovación en direcciones que a veces difieren, pero armonizan y se enriquecen cuando se conjugan en el aspecto científico, tecnológico y artístico. Desde una primera formación en pintura y dibujo tuve la necesidad de evolucionar hacia la fotografía como medio de expresión artística, porque es justamente ahí, donde confluyen todas mis inquietudes creativas e innovadoras. Es por ello que en mis imágenes fotográficas se manifiesta ese dualismo expresivo: el fotógrafo-pintor y viceversa. Se trata de un estilo propio, logrado mediante el desarrollo de una técnica experimental, donde los criterios del arte y la fascinación por los detalles y lo novedoso no tienen límites”.

Metáfora I. 2014
Fotografía digital a color sobre papel
98.5 x 149.6 cm

Metáfora II. 2014
Fotografía digital a color sobre papel
98.5 x 149.6 cm

Metáfora III. 2014
Fotografía digital a color sobre papel
98.5 x 149.6 cm

En esta nueva cultura visual el código fotográfico y sus fronteras desaparecen. Esta propuesta innovadora se enmarca dentro del arte óptico, como nomenclatura visual, que también se aproxima a la corriente cinética y el realismo mágico. Allí, en todos esos espacios, intento develar los misterios del cosmos y lo terrenal a través de símbolos y colores, la luz y las formas. En el desarrollo de esta técnica fotográfica tuve la necesidad de crear lo que he denominado un PRANDISCOPE y otros accesorios que permiten trabajar con mayor eficacia en la obtención de mis imágenes. Con ellos puedo emplear objetos y materiales de distintos orígenes y diferentes diseños; todos se pueden emplear haciendo distintas combinaciones de manera metódica o espontánea para conseguir efectos ópticos especiales, como son los movimientos, reflejos y degradaciones. En mi estilo fotográfico, lo emocional tiene su espacio y la influencia tropical se manifiesta a través de los colores que caracterizan todo lo caribeño. F.P.

Martes, 14 Octubre 2014 16:54

David Pérez (Karmadavis) (Santo Domingo, 1976)

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Artista visual, sonoro y culinario dominicano que reside y trabaja en Guatemala. Creador y productor del proyecto de arte contemporáneo Morisoñando recetas del Caribe. Ha expuesto en Exit Art en Nueva York (2010), en la Universidad Essex en Londres (2013) y en los proyectos Ultravioleta y NuMu en Guatemala (2013). Ha participado en eventos como: Pabellón del Instituto Ítalo-Latinoamericano, LIV Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, Italia (2011), Unresolved circumstances, Museum of Latin American Art de Los Ángeles, Estados Unidos (2011), Don’t call it performance/no lo llames performance, Muestra Internacional de 60 artistas de performance, Museo del Barrio de Nueva York, Estados Unidos (2004).

“Cuando el diálogo aún es posible, existe el misterio de la esperanza”. 
Cocina binacional. 2014
Performance

La isla de Quisqueya es un cuerpo dividido en dos partes. Dos países que tienen una historia en común y un presente compartido. De la fusión de ambos vienen los domínico-haitianos, grupo minoritario producto de la descendencia de ambas naciones. Este sector de la sociedad dominicana vive en una plataforma irregular, condicionada por intereses políticos y raciales. La obra es una acción del proyecto culinario contemporáneo Morisoñando. Un ambiente performático y degustativo para el deleite de los sentidos, con una intención crítica y funcional. El proyecto se plantea en formato multimedia, en donde se instalará una cocina y un comedor en un área fronteriza de la isla, en donde se desaparezca la línea divisoria. La degustación será el resultado de una investigación sobre fusiones e ingredientes que tengan relación con la gastronomía de ambas naciones y como resultado primordial, la comunidad domínico-haitiana. Una forma de legitimar a este grupo de dominicanos en la sociedad, es a través de la comida. Sin caer en romanticismo y viéndolo más con una actitud funcional dentro lo que ocupa y concierne a la isla. La representación del equipo de trabajo se plantea en un escenario de diálogo y ayuda mutua. En el vacío de la tensión queda una chispa de lenguaje. Un Buda de fuego. D.P.

Martes, 14 Octubre 2014 16:17

Gustavo Peña (Santo Domingo, 1979)

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Estudió Bellas Artes en La Escuela de Diseño Altos de Chavón, La Romana, República Dominicana. Culmina la licenciatura en Artes Visuales, con especialización en Pintura Mural, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, México. Actualmente trabaja y reside en Santo Domingo.

“Recientemente he estado investigando abstracción, fundamentalmente la relacionada con el arte minimalista y conceptual. Todo comenzó como un ejercicio en el cual exploro formas, color y espacio pintando directamente de la imaginación al soporte. Luego, estos ejercicios se volvieron obras per se y más adelante en esculturas. En estos diseños busco no intervenir en la realización final de las piezas, en cambio, producirlas en talleres de personas hábiles en las diferentes disciplinas que requieran. Algunos de estos diseños funcionan modularmente, otros, como pequeños sistemas cerrados en sí, en los cuales las pequeñas partes, a pesar de ser diferentes, forman un todo”.

Exploraciones de forma, color y espacio. 2014
Óleo sobre fibra vulcanizada de densidad media
Díptico
126.7 x 126.3 x 3.8 cm, 126 x 125 x 5.8 cm

Exploraciones de forma y línea. 2014
Tinta inkjet sobre papel
Tríptico
124.7 x 125 x 5.1 cm, 125 x 124.7 x 5.3 cm, 125 x 124.6 x 5.3 cm

Investigaciones abstractas y figuración. 2014
Madera
161 x 138 cm

Inspirado en la era industrial que vivimos, en la que el lema muy bien pudiera ser “que trabajen las máquinas”. He conceptualizado este tríptico de gran tamaño con el cual busco conseguir ese efecto sublime que nos produce el arte, utilizando la computadora y la impresión digital. Estos diseños de módulos dan paso a la vez a ser construibles y repetibles de manera mecánica e industrial sin la intervención del artista. G.P.

Martes, 14 Octubre 2014 14:50

Jochi Muñoz. (San Francisco de Macorís, 1954)

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Artista que vive y trabaja en Santo Domingo, donde desarrolla su labor de profesor de danza, creador independiente de artes escénicas y de performance. Fue merecedor de premio en la XXV Bienal Nacional de Artes Visuales del Museo de Arte Moderno en Santo Domingo, República Dominicana.

“La cantera de donde me nutro para realizar mi obra está en mi cotidianidad. Tomo un hecho cualquiera que descontextualizo, fragmento, sobrevaloro en parte, desestimo en otra, recompongo, para, finalmente, ofrecer mi versión personal del mismo. Lo que resulte puede que no sea comprendido de inmediato por el espectador. Lo que espero es que se marche con el gusanillo de la interrogante, y que, eventualmente, pueda extrapolar lo dicho, a planos alejados de lo meramente personal del artista”.        

¿...en qué recodo del camino?. 2014  
Performance

De entre varios textos que hablan sobre caminos, uno en particular: Permanencia del llanto, del poeta haitiano Jacques Viau, me ayudó a precisar tanto el concepto como la forma que habría de tomar la pieza. Permanencias, idas, amor, desamor, odio, apego, libertad, temor, arraigo, logros, extrañeza… Son cosas que, en dosis distintas, son apuradas por todo transeúnte de la vida. Durante esta, cada individuo va siguiendo las huellas de otros, a la vez que deja su impronta sobre la que, quizás, cabalgarán otros que vengan después. Recurro al empleo del trazado circular del camino, como metáfora de las constantes y perennes búsquedas del individuo; como metáfora de las constantes y perennes apatías del individuo. J.M.

Martes, 14 Octubre 2014 14:47

Randy Morales (Rands) (Santo Domingo, 1987)

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Estudió Bellas Artes e Ilustración en La Escuela de Diseño Altos de Chavón, La Romana, República Dominicana, y en Parsons The New School for Design, Nueva York, Estados Unidos. En la actualidad realiza su maestría en Animación y Artes en Movimiento en el Pratt Institute. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos.

“Mi obra se centra en historias secretas de mi vida, creadas a partir de vagos recuerdos, momentos reales, impresiones y sueños que he retenido a/desde/de mi vida temprana, que se han ido alimentando hasta la madurez”. 

Fantasías de mi entorno familiar. 2014
Videoarte a color con audio, y objetos domésticos
Proyección en bucle 

Trabajo imágenes que narran las historias de momentos pasados; crean un extracto de los instantes olvidados e iluminan la inconsciencia de aquellos tiempos, evocando una colisión de nostalgia y emociones que resulta en el autodescubrimiento. Durante esta exploración me muestro tal como soy, visualizando mi futuro, consecuente al entorno que me rodeaba mientras crecía y a la influencia de lo que fue mi familia. En los videos que soportan mi trabajo, las imágenes ilustrativas se involucran con los elementos ya establecidos, sirviendo como un estudio cognitivo de un niño curioso. R.M.

Martes, 14 Octubre 2014 14:42

Joiri Minaya (Nueva York, 1990)

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Egresada de la Escuela Nacional de Artes Visuales en Santo Domingo, de La Escuela de Diseño Altos de Chavón en La Romana y Parsons The New School for Design en Nueva York. Ha participado en las residencias artísticas Skowhegan School of Painting and Sculpture en Maine, Estados Unidos y L-EST European Performing Arts and Transmedia Lab at MA Scène Nationale en Montbéliard, Francia. Fue ganadora del gran premio en la XXVIII Bienal Nacional del Museo de Arte Moderno en Santo Domingo. Vive y trabaja entre Nueva York y Santo Domingo.

“Me intereso en temas de identidad, alteridad, auto-conciencia y desplazamiento. Mi trabajo navega sistemas binarios tratando de encontrar hibridez; investiga cómo nuestras identidades, espacios sociales y jerarquías han sido construidos en su mayoría a partir de desigualdades históricas que aún se perpetúan, y el cuerpo como un receptor condicionado e intérprete de estas distinciones. En mi obra, como una alternativa a tales denominaciones jerárquicas, intento crear varias posiciones de poder, muchas veces contradictorias pero operando simultáneamente”.

Siboney. 2014
Performance 

Siboney es un performance en dos partes que explora las construcciones estereotípicas del Caribe y la mujer caribeña basadas en fantasías elaboradas desde la alteridad del foráneo. El performance medita sobre cómo dichas construcciones son luego interiorizadas y laboriosamente reproducidas por el sujeto en que se originan. Una tela con un estampado "tropical" genérico encontrado por la artista y la canción Siboney interpretada por Connie Francis son los elementos de partida para esta investigación. El estampado tiene un carácter de souvenir estereotípico o diseño de producción masiva. Al copiarlo y pintarlo manualmente sobre una pared, simbolizo proceso de interiorización de algo determinado por alguien más. La canción Siboney, compuesta en 1929  por el cubano Ernesto Lecuona en un momento de añoranza al estar lejos de su patria, fue popularizada en 1931 al interpretarla el barítono Dominicano Eduardo Brito y luego grabada por varios artistas, incluyendo a Connie Francis en 1960. Con esta grabación Francis se unía a la tendencia de cantar boleros en español de muchos artistas norteamericanos de entonces, reflejando con sus acentos anglosajones las políticas imperialistas y actitudes de exotismo en la época. J.M.

Martes, 14 Octubre 2014 14:40

Marie Jiménez (Santo Domingo, 1991)

Escrito por

Egresada de Bellas Artes de La Escuela de Diseño Altos de Chavón, La Romana, República Dominicana. Fue artista seleccionada en la Bienal Nacional de Artes Visuales del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, República Dominicana, en 2011. Luego de concluir sus estudios en Parsons The New School for Design de Nueva York, Estados Unidos, exhibió sus videos y cuerpo de trabajo pictórico en una variedad de espacios culturales. Fue artista seleccionada en el XXIV Concurso de Arte Eduardo León Jimenes 

“Mi práctica se fundamenta en el uso del video como herramienta para trasladar la periferia hacia el centro. Exploro las problemáticas que generan este interés; entre ellas la relación que existe entre la marginalización y la felicidad, el conocimiento y el centro, y los límites que separan el centro de la periferia. Mi trabajo muestra estos temas a través de la documentación de sujetos en situaciones ficticias o reales, presentándoles de forma que aborde su intimidad y confronte la del espectador. Usualmente trabajo a partir de experiencias personales que voy moldeando con un tamiz que permita dar prioridad a los sentimientos”. 

El pozo de la soledad. 2014
Videoarte a color con audio
Proyección en bucle
73 x 183 x 71.6 cm 

A la luz de la sombra. 2014
Acrílica sobre tela – autoría de Edward Salcedo
101.6 x 152.7 cm

Este video instalación consta de un video y una pintura que muestran, a la vez, a un pintor como marginalizado y privilegiado social; al mismo tiempo que sugiere analizar el rol del video ante el lenguaje tradicional de la pintura. El video como centro de la instalación muestra el vínculo entre dos artistas emergentes que viven en contextos diferentes: Edward y Marie. Esta parte de la instalación muestra a Edward como el artista en la periferia; a través de relatos de su evolución como pintor en un contexto donde no se le presentan oportunidades para que su producción sea valorada. La instalación utiliza esta paradoja del pintor para cuestionar si el marginalizado tiene una voz y si puede uno reconocerse como tal. M.J.

Martes, 14 Octubre 2014 14:37

Mónica Ferreras (Santo Domingo, 1965)

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Mónica Ferreras es una artista contemporánea que reside en la Republica Dominicana. Sus medios de expresión son la pintura, el dibujo, la instalación y el videoarte. En sus veinte y un años de trayectoria artística ha realizado 12 exposiciones individuales en galerías y centros culturales del país y del extranjero. En 2013 fue ganadora de la primera residencia del Davidoff Art Initiative que se realizó en el International Studio and Curatorial Program de Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos. En 2010 fue ganadora del XXII Concurso Eduardo León Jimenes. Ha participado en exposiciones colectivas entre las que se cuentan: Inside and Out, Recent Trends in the Arts of the Dominican Republic, Inter-American Development Bank Cultural Center en Washington D. C., Estados Unidos.

 “Mi cuerpo de trabajo en los últimos años ha tenido un componente autobiográfico muy marcado. Si es visto de manera cronológica, se pueden capturar diferentes momentos de mi vida: mis interrogantes; momentos difíciles y tensos; periodos de crecimiento y de luz. En el aspecto formal, algunos símbolos son recurrentes como la espiral, el laberinto y las mándalas. Además de estos símbolos, hay un uso obsesivo de líneas, puntos y círculos. Yo construyo mis pinturas y dibujos usando múltiples capas de pigmentos que van desde las más ligeras hasta las más sólidas, creando así una atmósfera bien densa con muchas transparencias y profundidades. Paralelamente a este cuerpo de trabajo, también he venido haciendo instalaciones y videoarte en los que predomina el componente social. Estas obras están basadas en situaciones de mi entorno cotidiano que llaman mi atención y me motivan”. 

Nunca es tarde si la dicha es buena. 2014
Acrílica sobre tela
245 x 137.5 cm 

Son solo burbujas de la vida…espejos de preguntas y esperanzas. 2014
Instalación de hilo nylon y fotocopias
500 x 500 cm

Esta propuesta es basada en una serie de dibujos llamada Hope. Estos dibujos son una reflexión sobre aquellos momentos difíciles y oscuros de la vida donde no parece haber luz al final del túnel. Como si miráramos un álbum de fotos, desde una mirada en el presente y fuera del túnel, nos damos cuenta que en realidad siempre hubo luces a nuestro alrededor. Luces manifestadas en el apoyo de los amigos, familiares, en un libro, en un compartir con un extraño, etc. Luces grandes y pequeñas que siempre han estado ahí pero, como pasa con las estrellas, que muchas veces las damos por sentadas. Estas luces las resalto en tinta negra como queriéndome decir: “Mónica ahí está…no te olvides”. M.F.

Martes, 14 Octubre 2014 14:35

Andrés Farías (Santo Domingo, 1985)

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Egresado de la Universidad APEC de la licenciatura en Publicidad. Cuenta con un máster en Cine, Televisión y Medios Interactivos en la Universidad Rey Juan Carlos, así como una especialidad en Guion y Dirección de Cine Digital en la Escuela de Nuevas Tecnologías en Madrid, España. Actualmente cursa la especialidad de Dirección de Ficción en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños y desarrolla su primer largometraje, Candela.

 “Creo que el ‘método’ del artista es el auto-descubrimiento y el medio para alcanzar y dominar el medio es la confrontación. Por esto trato de crear piezas que me enfrenten y reten a cambiar los significados, romper realidades y experimentar libremente. Intento forjar con cada nueva pieza mi propio discurso y mirada, a la vez que establezco un estilo personal y diferenciador sin dejar de ser fiel a mis valores y principios. Intento, con mi obra, desmantelar el caos que parece rodearnos utilizando la cámara, narrativa y experimentación para engrandecer, desmenuzar y potenciar la cotidianidad”.

 Honeypot. 2014
Videoarte blanco y negro con audio
Proyección en bucle

En mi obra utilizo la imagen como un vehículo crítico que coloca en tela de juicio el camino que hemos elegido como sociedad caribeña insular en el siglo XXI, a través de la contraposición de imágenes fragmentadas de la ciudad, el campo y el individuo. Asimismo, en mis piezas intento retratar la deshumanización a la que nos vamos encaminando en la actualidad, además de cuestionar el papel del artista, su creación y la reinterpretación de la imagen como agente de cambio social y resistencia a través de la absorción de la realidad y su reinterpretación. Un calidoscopio de símbolos transformados una y otra vez, ejemplo del bombardeo constante de imágenes fatuas en las que nos vemos inmersos diariamente  en las distintas pantallas que nos rodean, articuladas cada vez más como deidades divinas. A.F.

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